第一张```超赞`````

其实这组照片自己想更发掘一下疯狂的疯狂，但是自己看了很不满意，利用镜头的特性故意夸张的疯狂和平淡的视角下发自内心的疯狂，前者几乎属于一边倒的败势。

后来也一直在提醒自己，不要过于利用镜头的特性，更深入地发掘内在的内容来体现本质的东西，挖到了后，越平淡的视角，反差其实越大。

其实就像horowitz最后的那次拉赫马尼诺夫第三钢琴协奏曲，平平淡淡的把迷幻的乐曲结束，比他年轻时那种疯狂的力度感比强太多了...

含蓄```一直在努力去做的一种表达方式.
疯狂或者很强烈的方式,能一瞬间释放很大的能量,但是一瞬间过后呢.
盖伯丁的画面总是在慢慢的释放情绪,虽然慢但无时不刻的充满力量.:D

我上一张我很喜欢的摄影师，沃纳比肖夫，和罗伯特卡帕同一天死去，他的纪实风雅优美，不为内容所吸引，总是能够在第一时间感受到最当地的触觉，他不喜欢很扎眼的内容，即使在二战结束的日本，他也会首要考虑拍摄日本僧人的互相鞠躬这类风俗的照片，当时他的照片传递着一种战争结束了，几乎就没有开始过的感觉，他喜欢用人类的痕迹表现人文而不用人本身。

沃纳·比肖夫(WERNER BISHOF 1915-1954)

以相机追求和平的人
    沃纳·比肖夫是一位国际上知名的瑞士摄影家，1916年生于苏黎世，1954年在秘鲁死于一次意外事故。

    苏黎世艺术学校1932年创办摄影班，沃纳·比肖夫是它的第一批学员之一，自始，在他短短的二十几年摄影生涯中，比肖夫曾先后服务于一些世界著名杂志（如美国《生活》、法国《巴黎竞赛画报》等）和玛格南图片社，足迹遍布几大洲，尤其是他在印度、朝鲜，日本等亚洲国家拍的照片使人过目难忘。

    沃纳·比肖夫十分推崇罗伯特·卡帕，视他为自己的楷模。比肖夫的作品追求真实与美。曾有人评价他的照片不仅维护了人类的尊严，体现出人道主义的信仰，还具有不受时间制约的艺术欣赏价值。他的作品在现代摄影史上占有重要的地位。

    比肖夫死于秘鲁的消息传到日本，是在1954年一个阴雨绵绵的梅雨季节。5月25曰，他在前往秘鲁森林进行创作时，因车祸与同军人一起翻下500米深的山谷。

    同一天，在印度支那，卡帕不幸触雷身亡，真是奇异的巧合。在一天里，马格那姆丧失了两位巨匠，命运开了一个极大的玩笑。就这样，1954年，世界上消失了两位重要的新闻摄影家。

    比肖夫终年仅39岁，是位前途远大的青年摄影家。他的墓安置在卡亚俄港附近。

    但是，这次秘鲁之行，比肖夫为我们留下了许多杰出的作品。例如，他用85毫米长焦距镜头拍摄的《吹笛少年》。身穿粗布衣，肩背大口袋的秘鲁少年，在山道间边吹笛，边行走。虽然画面简单，却充满了抒情韵味，使人感到比肖夫的温暖的胸怀。

    这幅作品已成为遗作，现在看到它，似乎那少年吹奏的笛声，正在为比肖夫的死表示深切的哀悼。

纯粹的瑞士摄影家

    战后的瑞士，是世界摄影浪潮的中心。因获古根海姆奖而名声大振的罗伯特·弗朗克就是瑞士人，生在美国，长在瑞士，以强烈表现立足于世界影坛的W.克莱茵是弗胡克的朋友，他也是一位很突出的新闻摄影家。然而，在这些摄影家中，最引起评论界注意的，应属比肖夫。他于1915年生于苏黎世，父亲是个普通的职员。

    比肖夫从少年时起就非常喜爱绘画，对其它科目不感兴趣。这样，父亲只好让他退出原学校进入苏黎世美术学院摄影专业学习。这是1933年的事情。

    在学习中，他直接受到著名摄影教育家亨斯·菲斯兰的教导，使他学到了成为一名摄影家所必备的基本技巧。同时，比肖夫开始对印刷美术设计产生兴趣，这与他从小喜欢绘画的志向有一定关系。菲斯兰在教学中，采用发挥学生个性的方法，使比肖夫能够按照自己的成长规律去发展。

    比肖夫爱好印刷美术设计是在他毕业时从事照相馆工作而引发的。他在照相馆里以商业摄影为目标，工作了十年，之后，他的名气越来越大。

    这一时期，他的照片主要强调造型部分，他的新闻照片也非常重视造型处理，使其别具一格。可以说，这段时间的锻炼，为他今后的发展打下了很好的基础。

    比肖夫直到离开人世，总是坚信自己不仅是新闻摄影家，也是艺术家的信念。虽然许多人认为"新闻照片不是艺术"，但是，这种观点是对艺术观念的一种偏见。长期以来，人们对摄影产生过种种误解。其实，艺术观念在变化，人们的认识也应该不断变化。因此，站在新的艺术立场去追求新闻摄影的变化，追求新闻摄影的新的艺术性，是比肖夫终生的目标。他常常以一个艺术家的规范要求自己，决不妥协。一次，曾有人向他索取朝鲜战争中共产党俘虏的照片，他说"艺术不能出卖"。他视战争为罪恶，他是站在人道主义立场上来拍摄照片的艺术家。

从《DO》到马格那姆

    《DO》是世界一流的美术杂志，现在仍在发行。克莱茵曾在那里工作过。

    在《DO》的工作，决定了他后半生命运的到来。瑞士虽然在大战中属于少数保持中立的国家之一，但是，《DO》与瑞士红十字会合作，为记录战争的灾难而起用了比肖夫 。

    红十字会希望的只是记录战争，但比肖夫不愿只拍战争，而是把相机对准了在战争中挣扎着的民众的命运。他常常是站在受害民族的立场上，直到战后，他依然如比。妇女、儿童不断出现在他的作品中。

    他以欧洲战场为主，拍摄战争中民众的生活。这种题材对于他是有生以来的第一次。在此之前，他一直是以唯美主义手法去拍摄大自然景物的，过去他说过:"我之所以只拍摄这些景场，是因为我自己能够捕捉到自身意识的存在"。然而，战争却把他的视线从唯美主义世界转移到了现实社会。如果没有战争，也许他会一直沉浸在他寂静的唯美主义世界中进行创作。

    现在，他不得不面对现实，他一面感受着民众生活的苦难，一面被民众的喜怒哀乐所震动。为此，他在《DO》中大声疾呼，

    也决定了他今后的道路。之后，他又把足迹留在了共产主义国家，拍摄《铁幕背后》，在《生活》杂志上发表，因此而闻名。

    从 1946年到1949年，他的生活是在东奔西跑中度过的。1949年在瑞士结婚，并加入了马格那姆，成为瑞士方面负责人。

    1951年，马格那姆计划为比肖夫搞一次日本摄影旅行。比肖夫先取道印度，在那里拍摄潦倒的贫民，留下了许多不朽的作品。然后，经香港到日本。

    他在日本逗留了八个月，为(生活)杂志拍摄朝鲜战争，并与日本摄影界进行了广泛的交流。他对日本的风土人情表现出极大的兴趣，拍摄了大量的照片。1954 年，他将这些照片题名为(日本)，并编辑成画册出版。这是最早由外国摄影家拍摄介绍日本的摄影集。书中充满了好奇和惊喜，却没有偏见。从这些照片可以看出，比肖夫在评价客观时象对保持了客观、温和的态度，他是一位优秀的新闻摄影家。

    1953年，比肖夫前往美国，1954年又从墨西哥到达巴拿马。他那一次是去拍摄南美人民生活的。"但是，命运的利剑却在悄悄地向他刺来。当他从巴拿马到智利，最终踏上税鲁的国土时，虽然获取了无数个杰出的镜头，但是，付出的代价却是自己的生命。

作品·人性

    比肖夫死后三年的1957年，他的遗作展在苏黎世开幕，感动了许多人。从1953年到1957年，他的影展《极乐》曾在欧洲各地巡回展出。

    比肖夫的风格简而言之就是:贯穿始终的人性、和细致、缜密的造型，始终保持冷静的画面。

    他的早期作品中，唯美主义风格浓厚，抒情诗一般的美感洋溢在画面中。同时，他又十分注意准确的造型处理，避免画面中易犯的毛病。他从事的印刷美术设计，为他的画面构成打下了坚实的基础。

    他不是一位描写战争现场的战争摄影家，这是他与卡帕的不同之处。卡帕是反法西斯主义的，比肖夫则更像一位宗教式和平主义者。与其说他面对战争，不如说他从不过问战胜国或战败国，而是把相机对准战争中的受害者。如上所述，他的作品并非大声疾呼的抗议，而是向读者提出静观变化的要求，这就是他在新闻摄影中的独到之处。

    据比肖夫的友人回忆，他终生热爱美术，他喜欢西班牙画家、立志学习毕加索的艺术风格。他是个爽快人，但不是一位开朗的社交家，闲暇时光，他总是面对画布度过的。现在，回过头来，仔细回味，似乎他的《吹笛少年》中充满着一种寂寞的情绪。或许在遇到这位少年时，他无意中预感到自己的命运。无论怎样，画面中弥漫着和平的沉寂，它使我们为之倾心。

他喜欢用人类的痕迹表现人文而不用人本身。`````这才是气魄!!!!人类的痕迹````这个高度不一般

他的思维很致密，而且画面很平呵，没有太抓眼球的东西，甚至感觉上没有内容，但是很容易让你继续看下去，继续思考下去。

其实他也是把艺术和纪实真正推到一个讨论的层次上的摄影师，和罗伯特卡帕同一天死亡，他是车祸，罗伯特卡帕是触雷。

他的人像作品也很强，他在艺术上追随的是毕加索的路子。
[w]http://www.wernerbischof.com/work/portfolio.html[/w]

上张人像，好的人像的确是走发掘内在的路子，而不是简单得让人吃惊的表情或者姿势。

非常不错`````

他喜欢用人类的痕迹表现人文而不用人本身

这话说得太牛了，如果是您说的，我佩服死了。如果是引用，希望透露一下出处。

我自己也一直学习这个手法，战争中不拍军队战士，拍摄居民家中的摆设，这是比肖夫常用的手法，有机会看看他的影集就知道了...

这个有啥牛的....很正常啊....

比如现在的马格南跑到伊拉克，哪个不去拍摄美军和伊拉克人民的冲突，又有谁像比肖夫那样拍摄风情的东西，那张日本的庭院是日本刚投降的时候拍摄的，考虑一下那是什么样的涵养和眼光，会放弃美军和日本人冲突这样的题材而去拍摄日本的庭院。

[ 本帖最后由 Demitry 于 2006-11-6 20:55 编辑 ]

乱谈亚当斯，f64，和画意摄影派的决裂

虽然亚当斯成为了现代中国摄影两大流派的祖师爷，甚至成为禁锢中国个性摄影发展的一个代名词，但是实际上亚当斯曾经也是轰轰烈烈的反革命分子。

在照相机刚刚被发明出来的时候，效率并不比绘画高多少，感光原件的效率低下和镜头最大光圈的细小（可能f22才是最大光圈），导致当时拍摄一张照片需要差不多几个小时，和绘画相比，可能纪录的精确性还要差很多，所以当时摄影并不被认为是一种艺术，而是一种“机械的绘画”，作为绘画的一个旁门左道的面目出现。

随着感光部分的技术发展，摄影的精确性在逐渐的提高，对于绘画的“纪实性”的功能也有越来越强烈的侵略，当时的画家对摄影基本处于否定的态度，不接受摄影为艺术的一个门类，原因则是因为摄影的机械性造成，而针对这种压迫性的权威态度的反抗，摄影在最开始则走到了“为摄影正名，摄影也是艺术“的路子上去，而主要的方法则是“摄影可以做到和绘画一样“，于是画意派摄影作为一个摄影的主流出现了。雷兰德的[人生的两条路]则是当时比较著名的作品，动用了16个模特，多次重复曝光，表现出一种巴洛克式的绘画风格。

当时的画意派摄影通常采用以下几种拍摄手法，甚至后来对f64产生深远影响的斯蒂格里兹也不例外。

1：大光圈
2：虚焦点（当时的人由于没有虚化的视觉经验，对镜头产生的虚化很反感且排斥，所以当时的镜头的设计方向往往是让虚化产生绘画的效果，早期的英国法国镜头颇多都是类似的虚化方案）
3：高iso

这样产生的照片，就很像绘画，所以画意派则以用机械绘画的艺术家自称，挑战当时的主权摄影流派的战斗，就是由亚当斯所组成的f64小组打响。

所谓f64，也就是使用f64的光圈拍摄，产生前后景都极度清晰的照片，（当时亚当斯使用的是英国生产的柯克组合式镜头，目前这种镜头经过发展成为了大像场镜头上的最高档产品），同时f64也使用相当的暗房技术（传说中的九区曝光法），使最后的照片几乎完全符合人眼的观察效果，亚当斯本身也是个一个著名的登山家，所以他常能够到达平常人不能够到达的险隘位置，我曾经看过他在六十岁的回忆，说他现在年纪大了，所以不能够再背负木质三角架和大画幅相机登非常险隘的山峰了，而在年轻的时候，我们可以想象一个背着沉重器材的人，身手矫健的登上了各种异常陡峭的山峰，并留下了无数的照片。

根据他的自传，摄影对他来说，热情和爱好没有登山那么强烈，所以他往往在半山腰就用完了胶片，但是即使胶片用完，他仍然会继续登山，直到山顶。

毋庸置疑，虽然说亚当斯在当时和现在都饱受争议，但是他的作品，则强烈的撼动了画意派的根基，异常清晰的风景，从黑到白所有光比区域完整的曝光，让摄影的艺术性走到了一个新的地步，而后来，很多人把亚当斯的f64和布列松，罗伯特卡帕的马格南结合起来，称为摄影独立运动，这是对摄影本身特征的一次深层次发掘，没有人能够真正否认亚当斯照片的艺术性，即使他的照片看上去和绘画毫无关系。

而从那以后，摄影则从一定意义上真正的独立了出来，成为一门独立的具有显著自我特征的艺术，虽然说这个过程是个量变的逐渐，但是亚当斯的作品则加速了独立运动的过程。

当然亚当斯自己可能也没有想到，他的反抗和叛逆，在若干年后会给一个古老的东方国家加上若干禁锢，让无数的人念着他的名字打击个性摄影，或者把他的拍摄方法当作了宝典，这无疑是自由摄影独立运动的一个大讽刺。

（按照印象写的，如果有偏差不必深究）

[ 本帖最后由 Demitry 于 2006-11-7 13:45 编辑 ]

又有的补习了```

当然亚当斯自己可能也没有想到，他的反抗和叛逆，在若干年后会给一个古老的东方国家加上若干禁锢，让无数的人念着他的名字打击个性摄影，或者把他的拍摄方法当作了宝典，这无疑是自由摄影独立运动的一个大讽刺。

这个很正常`````盲目学习!!!